影视表演与戏剧表演同属于表演艺术，它们在创作原则、创作方法和表演的方式上有着许多的共同点和共同规律。这一点决定了它们之间可以互相流通人才。

　　然而影视表演和戏剧表演又从属于不同的艺术门类，在时间空间上的表现方式完全不同，受到电影、电视剧、戏剧各自不同的美学原则和艺术特性的制约。

　　同时，两者也是相辅相成的。影视表演必须依托于戏剧表演的基础训练来达到基本功的扎实。

　　因此，影视表演要求演员把握一个人物时具有连贯性，最后的成品是通过后期剪辑制作而成，重新构成一个新的作品。在这里演员是相对被动的。

　　戏剧的表演是一气呵成、不可停顿的，哪怕是出了错误也只能即兴处理补救，整个表演过程中没有take two。受特定的形式影响，戏剧表演也能更好的不受任何干扰，不间断地完成人物创作。影视则反之，影视表演可当作被切分为碎片的切断式表演，导演可以随意组接这些镜头，以达到叙说故事的要求。由于此差异，话剧演员在排练过程中，还可以一遍遍的揣摩人物，靠近人物，形成最终人物。但影视演员，需要在一开始，拍摄第一个镜头时，就得是最终完整的人物状态，这使得许多影视演员事后感到遗憾，因为一旦拍摄录入，画面将不可更改。

　　这时候，就需要“替换”（方法派）。演员可以把镜头替换成一个朋友、爱人、或者仇人。然后，请开始你的表演吧。

　　在影视剧拍摄时，往往不会按照剧本的顺序来进行，演员的表演经常是碎片的切断式表演，导演随意组接这些镜头，以叙说故事。但是这容易导致演员出现大的情感断裂和落差。

　　他们是按照故事情节一步步走下来，还可以一遍遍的揣摩人物，靠近人物，形成最终人物。话剧演员的情感随剧本的顺序起伏，一般不常有大的情感断裂和空白。但影视演员，需要在一开始，拍摄第一个镜头时，就得是最终完整的人物状态。

　　不过，每个演员在拿到剧本的时候，都需要去做剧本分析，无论是在影视表演还是戏剧表演中。

　　因为剧本分析可以让演员清楚地确定人物的总目标、分场目标、内心独白，知道自己的角色在这里想要的是什么。分场目标能给演员动力，只有知道自己此时需要做到什么，角色才能活着。这样演员才不会陷入可怜自己的情绪中，这只会让观众厌烦。

　　另外，假如接到一个经典角色，话剧演员可以创新，但是要始终把握好微妙的“度”，不能超出观众的接受力。相较之下，影视演员在创新空间上，更自由。

　　对话剧演员来说，很难但是一定需要达到的一点就是，一直保持初次入场排练时的想象力。同样的情况也会发生在影视演员身上。他们最常听到导演说的一句话，就是“再来一条”……因为可能灯光没有调好、可能对手忘词。影视演员也一样会陷入疲惫，很难一直保持新鲜感。这时，就需要梅斯勒技巧中的“活在当下”来进行自我调节。

　　影视剧拍摄，少不了道具。戏剧表演也一样。不过有时候，话剧演员在舞台上拿着一个杯子，观众并不会过多注意，意识不到这有什么重要性。但是假如是在影视表演中，剧本里没有设定，导演也没有安排的情况下，影视演员自己在细节处做了功课，准备了什么出彩的小道具，这就是演员让自己脱颖而出的创造力。说不定导演和摄影师会很喜欢你的小心思，单独给你的动作一个特写镜头。

　　如果演员的面部表情不够丰富，动作没调动起来，那么后面的观众可能会一脸茫然，二脸懵逼：演的是个啥？？？

　　戏剧通过舞台作为媒介，演员表演时，肢体语言都是在舞台上一比一呈现的，台下观众想要看清楚细微的表演，只能依靠演员的“放大”来感受；而影视表演，是通过视听等多重手段的渲染，来达到内心情感的放大。因此，相比较之下，影视表演更倾向于生活化、细节化。

　　影视表演中，面对镜头，角色的感情表达，不再是通过演员的身体动作，而更多的集中到面部。

　　很多专业演员都知道，下一个镜头里自己的动作仍然需要按照之前镜头记录的顺序来，但是并不真正明白这么做的重要性。

　　比如，一开始，你拿起手机，打了个电话，放下电话，拿起书，看了一眼，扔掉。这个顺序，记住它！在下一次的拍摄里，仍然这样去做，这会给后期剪辑省掉很多麻烦。

　　杰出演员们为什么一直都在镜头里表现得那么完美，因为他们从未停止过学习呀！相信热爱表演的你们也一样能够在每一次的表演中都能找到表演的灵感提高自己的水平，扮演好每一个角色。